Oyente Desconocido: 2018

Hace un buen tiempo quería hablar de él.

La primera vez que escuché a Shaman Herrera fue extraño.

Dentro de un momento de voces suaves, comunes, con la voz de Shaman fue encontrar una voz grave, pesada, fuerte, enorme y diferente a lo que venía escuchando, era más o menos el año 2015, y para mí, en ese año y en épocas cercanas no había escuchado algo igual ni siquiera parecido.

Lo conocí con 'Sueño Real' y mi escucha inmediata lo sacó de toda la 'escena' o momento 'indie' que se vino gestando por esa época; sin embargo me encontré que este álbum cuenta con participaciones de artistas y otros músicos que representan mejor los sonidos más populares y comunes o mejor dicho lo 'indie'.

La voz y el sonido de Shaman, para mí no.

Aunque es un artista que se encuentra por algunos de sus más recientes álbumes dentro del sonido moderno, actual, independiente y alternativo; su sonido, su voz, sus ideas, su concepto lo aleja así mismo de todo ello. Está y no está en lo actual.

Lleva más de diez años haciendo música, ni Spotify ni la información en Wikipedia muestran con exactitud todo su trabajo discográfico completo.

No lo conozco como quisiera, es decir, me encantaría conocerlo más de cerca, charlar con él, preguntarle muchas cosas. Sin embargo, a partir de su música y de lo que he encontrado allí, y de acontecimientos que además de expresarlos en su música, me he enterado por otro medios, he aprendido y he visto de algún modo quien es el gran Shaman Herrera.

La primera impresión que tuve al escucharlo, además de que fuera una voz extraña o más bien diferente en la música moderna alternativa e independiente latinoamericana, fue sentir que Shaman es alguien grande, su voz parece de un gigante, de un ser salido de cuentos míticos. Su voz es teatral y dramática, sus canciones por ello logran ser obras, puestas en escena que pueden imaginarse en la mente, con un Shaman Herrera cantando en el medio de un escenario y las imágenes de lo que expresa y trata alrededor de él. En todo lo que he escuchado de este hombre, así, lo imagino en cada canción.

Shaman es más que esa enorme voz, es un hombre, es un personaje que está íntimamente relacionado con los temas esotéricos, espirituales, mágicos, religiosos y demás.

Desde su proyecto con Los Hombres en Llamas, uno de sus primeros grupos, sus letras, sus conceptos son de un viajero de la tierra pero también de un viajero astral, mental y espiritual. Donde el amor, la vida, la muerte, los viajes, el destino, son temas que se mezclan y se combinan con otros, como la espiritualidad, el espacio sideral, la magia, la paz, la fe y más.

Una buena definición que se me acaba de ocurrir para hablar de la música de este gran artista 'música de viaje' o que sus canciones son 'canciones de un viajero'.

No sé qué tanto ha viajado, conocido o visitado Shaman en su vida, pero parece (así no sea así) que ha recorrido mucho, sus canciones son notablemente inspiradas por viajes, por recorridos largos de un hombres que camina y divaga por el mundo con una guitarra al hombro.

Eso es lo que se puede deducir breve y fácilmente de los primeros trabajos junto a 'Los Hombres en Llamas'. Ahora, creo que lo más amplio, abstracto y denso de Shaman lo encontramos con todo su trabajo junto a 'Los Pilares de La Creación' nombre que parte de una foto tomada por el telescopio espacial Hubble, a la cual le dieron este nombre.

Su primer álbum con este proyecto es la muestra breve o más sencilla de sus nuevos conceptos, su conexión con lo astral. Una muestra que el viajero sigue su camino pero ahora va más allá, expande sus horizontes y llega afuera de este planeta, hace conexiones con lo no terrenal, más allá de este mundo llega Shaman Herrera.

Con el álbum que lo conocí, 'Sueño real' el tercero con Los Pilares de la Creación (si contamos 'Quimera', que es una banda sonora) expresó algo más abstracto, desde la portada y en cada una de sus canciones. Pero a su vez demostró que su música también se encuentra en un ámbito (musicalmente hablando), más común y popular, pues este cuenta con varias participaciones de las que se destacan la de Sara Hebe y Santiago Motorizado (El Mató a un Policía Motorizado).

Pasaron un poco más de dos años, para que Shaman Herrera, luego de este 'Sueño Real' apareciera con nueva música.

El nacimiento de su hija, su retiro temporal, su 'exilio', la continuación de su viaje, un viaje más personal y quien sabe cuántos más acontecimientos lo marcaron para su nueva y más reciente obra 'El primero es el último'

***

"Decir que el primero es el último es decir que no existen ni el uno ni el otro. No hay un antes y un después si el después viene antes que el antes. Se suprime la inercia, la sucesión, y se transforma en un infinito estable y sin ego. El tiempo es solo lo que las palabras dicen de él." Shaman Herrera.

Si fuera el primer trabajo que escuchara de Shaman, bien podría pensar que es un artista religioso que se dirige sólo a las personas interesadas en estos temas y conceptos. Sin embargo, en caso que sea la primera vez que vayan a escuchar a Shaman Herrera, hay que tener en cuenta sea como sea sus trabajos anteriores. Conociéndolos un poco es notable más que una evolución, algo así como un renacimiento, un resurgimiento de ideas y conceptos.

Es notable ver con lo que Shaman se ha encontrado en estos últimos años durante la creación de esta obra además de encontrarse (quizá, porque no sé cuánto lleva en ello) con conceptos del budismo. También puedo percibir que los acontecimientos que rodearon este nuevo álbum lo marcaron de manera trascendental e influyente a la hora de componer estas nuevas canciones.

Hace varios años un álbum no me conmovía así, no sé si haya sido que en este álbum vuelve a sonar tan natural y orgánico, además aquí siento su voz mucho más dramática, más sentida, más expresiva; o quizá también es todo el sonido con que acompaña cada canción, pues ha incluido tubas y pianos, algo que no se había hecho presente con Los Pilares; en este álbum toda la sonoridad genera un ambiente dramático, denso, envolvente, teatral y cinematográfico, muy profundo. Y aún hay más, este álbum habla de renacimiento, de un encuentro con uno mismo, con el espíritu también habla de la nada y del todo, del infinito, de la muerte y de la vida, a veces en términos budistas, a veces entre frases abstractas, pero logra sentirse y entenderse.

'El año del gallo', que precisamente fue el 2017, también es el nombre de la canción con la que abre este álbum. Significa que es el año del nuevo amanecer y comenzar, queda precisa para el retorno de este personaje (Shaman).

He tenido que buscar algunos conceptos y palabras de las que se refiere Herrera en este nuevo álbum, como 'Avatar' en el sentido budista o hinduista, 'La luz dorada', 'Govinda' entre otros. Y veo que habla de cosas muy bellas, que aunque no pertenezcamos al budismo o algo parecido, logró generarme un interés y una curiosidad por ello. De este modo, entendí lo importante que puede ser el budismo y las ideas cercanas para Shaman, pues lo que trae de esta religión y filosofía en este álbum, habla de renacimiento, curación, representación de dios, nacimiento, comienzos. Ideas muy conmovedoras para cualquier persona.

Ahí es donde se nota su encuentro con esta religión/filosofía. Pero Shaman no deja que estas ideas y lo que expresa sea para únicamente para quieren practican, profesan o pertenecen al budismo, sino, siento yo, es álbum para él mismo expresarse, para contar lo que significó su retiro, su encuentro con esta religión/filosofía, con la naturaleza, con la meditación, con el nacimiento de su hija (Govinda), y más.

Y eso fue lo que me conmovió, no es un álbum para sus oyentes, es decir, no es un álbum con el que fácilmente uno se sentirá identificado con las canciones, pero si es un álbum lleno de reflexiones, de pensamientos personales, como un cuaderno de notas de un viajero, de un sabio; que si bien no se aplica inmediatamente en nuestras vidas, algo logra hacer sentir, al menos pensar en la vida y en el espíritu.

Shaman Herrera parece haberse encontrado consigo mismo a través de 'El primero es el último'.

Favoritas/Recomendadas:

1- El año del Gallo

3 - Agosto

5 - Luz Dorada

7 - Palabras

9 - Govinda

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ÌFÉ, LA EXTENSIÓN DEL AMOR.

Fotografías por Karen Rivera

No fui con la intención de escribir, lo cuento porque para eventos, conciertos y demás cuando uno va con ese plan, con esa intención la perspectiva de lo que uno vive escucha y ve en vivo es otra.

De hecho cada vez que voy a conciertos, incluso con la intención de escribir trato de no pensar en ello: en escribir al respecto, pues considero que la experiencia cambia y los detalles, las cosas que vivo, en las que me fijo y lo que siento es distinto y de algún modo menos real.

Fui a conocer a ÌFÉ, fui a ver como sonaba en vivo un grupo bastante curioso que de manera extraña pero precisa combina lo esotérico, lo religioso, lo espiritual con lo tecnológico y moderno. Sé que esta combinación no es única, y cada vez estos elementos se combinan y se fusionan más en el mundo musical. Sin embargo lo que pasa con los puertorriqueños ÌFÉ, es que, considero se encuentran en ambos extremos, su álbum debut “IIII + IIII” toca temas relacionados completamente con la religión Yoruba y para esto usa beats, percusión electrónica y una alta dosis de autotune entre otros efectos digitales. Es una combinación extraña para mí. Incluso uno podría pensar que es una combinación algo contradictoria. Pero ÌFÉ logra hacer de estos elementos algo respetuoso, bello, agradable y poderoso.

No pensé que se fuera a lograr un concierto de ÌFÉ en Colombia, realmente sé poco de como funciona el manejo y el trabajo de las giras de los grupos; de algún modo pensaba que ÌFÉ no era un grupo tan sonado o tan conocido en Colombia, ni siquiera en latinoamérica. De hecho en su gira reciente desde Junio 15 hasta Septiembre 28, el único país y ciudad de latinoamérica incluida allí, fue Bogotá.

Es una pregunta válida, ¿por qué en especial, Colombia; Bogotá? (Bueno, Bogotá, por que todo llega a la capital, afortunada y desafortunadamente)

Para mí, desde la fecha de su anuncio fue una gran sorpresa.

Todo fue apoyado o más bien por la gracia del trabajo de Afropicks. Este proyecto que mueve artistas afro-latinos dentro de la misma latinoamérica. Pues dentro de estas mismas fechas y el mismo festival que armaron para lograr esto ‘Tempo tropico’ trajeron a Novalima, Dayme Arocena entre otros, acompañados de artistas cercanos (musicalmente hablando) locales.

Cuatro fechas de este gran ‘festival’ en Bogotá -si se puede decir- de nuevas músicas tropicales; dentro del cual estaba por supuesto IFE, al cual como ya manifesté asistí con mucha sorpresa y curiosidad.

Todo el festival se realiza en el TEATRO Colsubsidio Roberto Arias Pérez. Sobre lo cual yo debo decir que siempre me ha molestado un poco. Considero que las músicas y más aún si son tropicales o ‘fiesteras’, deben presentarse en un espacio mas comodo, mas amable, mas apto sobre todo para moverse. En este ‘Tempo Tropico’ lo que resaltaba era eso, pues no hay un sólo grupo con el que uno no vaya a moverse. (Por más tieso o aburrido que sea uno). No sé como habrá sido esto en las primeras dos fechas de este festival, con Novalima y Daymé, según me enteré, la gente - como suele pasar- se levantó de sus sillas a bailar sin pena alguna.

Lo cual me alegra.

A la fecha que asistí, el evento fue acompañado por los grandes y legendarios Son Palenque.

No esperaba la formación de ese día, los había escuchado en vivo antes, pero en ninguna presentación pasada los había visto acompañados de guitarra eléctrica y tampoco con uno de los grandes músicos de colombia, Michi Sarmiento. (Escuchar: Pedro Laza y sus Pelayeros, Michi y Su Combo Bravo, Joe Arroyo, Son Palenque, Ondatropica, etc…).

Me sorprendió y encantó Son Palenque con su formación especial para ese día. Ni modo, y afortunadamente casi todo los asistentes incómodos, incomodando o no, nos levantamos a bailar.

Foto amateur por Crónicas Del Melómano

Justo Valdés y compañía tienen tremenda fuerza musical. Muchos años de vida musical que se nota y se siente, saben cómo transmitir su alegría y su fiesta. Además tocaron ‘Palenque Palenque’ una de mis favoritas del grupo, sonó impecable, fuerte y sabrosa. La disfruté como nunca.

Son Palenque tocó sus mejores clásicos y sus recientes canciones también, que aunque no sean populares, son canciones que siempre contagian de sabor y alegría y eso lo noté; o mejor dicho es notable con Son Palenque, canciones que han sido más populares y más sonadas en otros lugares y no en Bogotá, pero que igual así, con su interpretación en vivo, por ellos mismos, logran cautivar con baile y emoción.

Y pues, con este formatos acompañados del gran Michi Sarmiento (Saxofón), sonaron impecables.

***

Creo que desde que ÌFÉ salió a escena, o mejor dicho desde que levantaron el telón, e ÌFÉ estaba ahí, nos impresionó a todos.

Apenas los vi, no sólo sentí que iluminaron el teatro sino a nosotros, inmediatamente hubo una conexión con ellos. Vestían todos de blanco, dos ellos estaban de pie y los demás sentados frente a sus aparatos musicales. en medio un bandera con unas pequeñas letras que marcaban su nombre ÌFÉ.

La chica sólo tenía un palo o báculo con el que varias veces marcaban los ritmos fuertes, también un pequeño aparato con el que mezclaba su voz y acompañó en algunas canciones. Estaba Otura Mun sentado, líder de este proyecto, con tres instrumentos electrónicos de percusión al frente de él, en medio otra percusion electrica tapada con la bandera ÌFÉ, siguiente un percusionista más con tambores cubiertos con unas mantas blancas y por último también de pie, un cantante más (todos cantan en ÌFÉ), quien llevaba y marcaba el ritmo con un Chekere grande.

Su comienzo fue atrapante. entraron interpretando una combinación de beats, el ritmo del chekere y la percusión eléctrica que hacía Otura Mun en una especie de ‘solo’.

Fotografía amateur por: Crónicas Del Melómano

Fue atrapante como ya dije, desde que salieron a escena, pero cuanto más avanzaba su presentación, más empecé a sentir una conexión sorprendente, algo mágica pero difícil de explicar.

En su tercera o segunda canción salió una bailarina que deslumbró (y hablo por todo los asistentes) nos maravilló. Nunca había visto alguien tan entregado a la música en vivo, o a una presentación artística en vivo. Ella aparecía en algunas canciones, con distintos trajes alusivos a las temáticas religiosas y tradicionales en las canciones de ÌFÉ. Fue encantadora.

Sentí que las canciones de ÌFÉ, aunque por lo yoruba y toda esta influencia y relación con lo cubano, tienen una conexión implícita con el cuerpo. Personalmente quedé atrapado y sentí que era un momento, un espacio para cerrar los ojos escuchar y sentir lo que expresa este grupo puertorriqueño que trae lo yoruba en su esencia. Me dejé llevar y sentir.

Por momentos pensaba en cómo logran expresar lo espiritual tan bien llenos de beats y con el alto uso del autotune y demás. ¿Cómo? No sé, pero lo llevan, lo cargan con ellos y fue breve que al sentirlos, escucharlos y verlos en vivo haya notado no sólo el respeto que le tienen a todo lo Yoruba, sino como ellos lo viven, es su estilo, es lo que lo que quieren expresar por muchas razones, su intención es demostrar la importancia o más bien la fuerza que trae toda esta cultura.

Otura Mun habló de su viaje a cuba y de lo que fue o es la YUMA para él y por eso la canción ‘YUMAVISION’ una de las canciones con las que más conecté o quedé gratamente sorprendido de ver y escuchar en vivo, aunque con una percusión electrónica; Otura toca de manera sentida, con ganas y con mucho corazón; es un percusionista puro.

Entendí que no importa si es un tambor de madera o a una caja de ritmos electrónica, el hecho de tocar, y expresarse tocando es la conexión que se logra con la música. Otura Mun y compañía así lo demuestran, con todo lo que hacen. Cada uno hace cosas mínimas o muy detalladas en ÌFÉ, se nota. Pero logran expresar mucho. Por ejemplo en ‘UMBO (Come Down)’ donde es protagonista la voz femenina, en vivo fue tal cual, con ese efecto moderno pero la mujer que hacía esto esa noche, lo hizo de una manera tan especial que impactó, se notaba su expresión, su conexión, su fuerza y su amor.

Hubo un momento muy especial, y me disculparan porque no recuerdo en qué canción fue, han pasado ya varios días y ese tipo detalles olvido; donde se conectó la bailarina y el grupo de manera increíble, la canción fue en su comienzo suave, lenta y ella la bailaba con un vestido largo y grande. Luego repentinamente la canción toma una fuerza y más velocidad en la percusión, la bailarina se ‘destapó’ y quedó en algo más cómodo, claro para moverse más. Y así fue, esta mujer sonreía y no paraba de bailar mientras ÌFÉ acompañaba con un ritmo contundente, fuerte y más rápido. Conectaron impecablemente, no sólo entre ellos sino con el público mismo. A ratos miraba al público y todos parecían absolutamente concentrados y asombrados, como si no quisieran perderse un segundo, otros (como yo en algunos momentos) tenían los ojos cerrados y se movían en las sillas. Muy bonito.

Cerraron con una interpretación de una Rumba clásica de Cuba, sin nada electrónico, sólo tambores y esta vez la voz líder para ello fue de quien tocó el chekere toda la noche, ahora, con una clave cubana.

Y así terminó un concierto impecable que conectó de manera profunda con el público sin necesidad de falsos ánimos e invitaciones a gritar o saltar, con su simple interpretación y tranquilidad músical. Eso sentí, sentí uno de los concierto más pacíficos, tranquilos y espirituales, hasta el día de hoy.

Entendí también el porqué (quizá) ÌFÉ tocó en un teatro, y claro, por respeto. Hay un respeto a lo religioso a la cultura que representan y a la espiritualidad, sin necesidad de manifestarlo, eso sentí. Quizá no sea así, pero es una buen teoría.

Fotografía por Karen Rivera

Fue un concierto para sentir.

Un álbum con todo nombre.

Hace unos días una amiga me comentaba que recientemente ella encontraba en el rap/ hip hop mejores liricas, mejores frases, mejores historias mejor contadas que en otros géneros recientes.

Le hallo y le doy la razón, el rap en español, o al menos en el rap latino, definitivamente recientemente he encontrado también que sus liricas ahora son más personales, y sino, al menos está lleno de frases, líneas y demás uso de palabras, muy creativas, por ejemplo lo que hace Matiah Chinaski, Veztalone, Crudo Means Raw y demás...

El rock, o al menos el rock que ha surgido en los 2, 3 últimos años, proveniente sobre todo de Argentina, Chile, Ecuador y Colombia, se ha vuelto un poco 'soso'; me refiero a eso que llamamos 'indie' y hay que aceptar en "Ah, todo lo que hago es para vos, Ah, el tesoro se está hundiendo..." que aun que puede ser una frase pegajosa y hasta bonita, no hay mucho más que eso; una frase pegajosa y bonita.

Historias, lecciones (como si necesitáramos), liricas que salgan de las vísceras, de experiencias personales, del corazón y que puedan contar algo más que frases sueltas ya no se encuentran tanto.

Claro excepciones hay, pero comparando con el rap e incluso otros géneros, el rock en general en Latinoamérica últimamente se ha quedado corto en buenas expresiones liricas. Eso creo yo.

Yo vengo escuchando a Axel Catalán hace un buen tiempo, no recuerdo exactamente cómo llegué a sus canciones pero graciosamente recuerdo que creí que era español (por su apellido artístico).

Con él en un primer momento encontré una canción hermosa que tiene una lírica que me caló mucho, estoy hablando de 'Ansiedad' una canción que habla de una despedida, de una manera cruda, bella y muy sentimental; creo que para cualquier persona con algún despecho, tristeza por cualquier tipo de partida, esta canción le va a llegar muy adentro.

No sólo fue 'Ansiedad' sino con el resto de canciones también encontré buenas, viscerales, sentimentales y muy emocionantes liricas, para dedicar, para sentir, para escuchar atentamente.

Con Axel Catalán y sus liricas, me encontré con algunos otros cantautores que le componen al amor o más bien al desamor de una manera visceral, bella, y muy emocionante; NegrO, y de quién hablaré específicamente hoy, Lázaro Cristóbal Cómala.

Lo primero que escuché de este personaje que tiene un nombre muy llamativo; fue 'Cuando te hagan mierda' una canción igualmente sobre desamor, pero divertida al lado de quién me llevó a él, Axel Catalán.

La voz de Lázaro me gustó, pero más que eso me gustó más fue la lírica, que escuché mejor luego en su demás sencillos 'Adiós, que abras más ventanas' y 'No es cierto que nadie va a Durango' (que me gustó menos).

Luego, recientemente lanzó su tercer álbum 'Canciones del Ancla'; el primero que escuchaba de Lázaro.

El álbum que me quizá vaya a reivindicar la importancia de las líricas así en el Rock.

Lo que hace Lázaro Cristóbal Cómala, no es para nada parecido a lo que han mal llamado 'rock indie' o el tipo de rock que recientemente suena (mucho) en Latinoamérica; lo de Cómala, es el puro Rock and Roll, algo más que podemos decir ' rescata' Lázaro; este rock and roll "puro", campirano, blusero, guitarrero, que, como tradicionalmente acostumbraba; nos narra y nos cuenta buenas historias.

Y es ahí en lo que me enfoco de este gran álbum de Lázaro Cristóbal Cómala. Aunque primero que todo debo decir que fueron varias características que me llamaron mucho la atención de 'Canciones del Ancla'. En primer lugar, el tipo de rock, esto se había dejado de hacer, este rock más tradicional ha perdido espacio, quizá definitivamente hace años no suena fresco y ya los espacios, los medios y el público perdieron el interés en él, Lázaro lo hace muy bien desde lo que conozco y he escuchado en mi vida. Muy influenciado notablemente por Bob Dylan, sin embargo su sello además de las buenas líricas es el sonido mexicano, ranchero, que se puede sentir más en canciones como 'Detén tus caballos', 'Lo peor de mí', 'Rumbita de mi naufragio'. Hay otro detalle muy interesante, son 20 canciones, sí 20, algo que también rompe las nuevas tendencias en el rock y en general en la música, arriesgado pues, hoy en día todo va con mucho afán, todo parece durar menos, todo parece humo; y así mismo nos acostumbramos, queremos las cosas más resumidas, más breves, más prontas. Pero el disco, a pesar de su duración, entretiene y al menos a mí me mantuvo y no dejé de escucharlo, no se siente lo largo, y dentro de esto, tiene otro detalle interesante, la mitad de las canciones son acústicas con sólo guitarra acústica, voz y si acaso acordeón y trompeta; la otra mitad tiene banda de rock es decir guitarra eléctrica, bajo, batería y la voz de Lázaro. Detalle que da una demostración de la buena dualidad y versatilidad de Lázaro.

Incluso logra un interesante 'experimento'. En 'La ironía de soltar para amarrar el corazón' canción que me parece las más sentida, emocional de todas, y donde se escucha mejor la voz de Lázaro, se juntó con una banda de Ambient/Post Rock, Blazing Scapelands; logrando una muy sentimental canción de rock acompañada de xilófono, piano, guitarras y la emocionante voz de Cristóbal Cómala. Personalmente me encantó.

Ahora, el gran detalle, lo que más me enamoró y agradezco de este buen 'Canciones del Ancla', las líricas.

Habla completamente de despecho, de desamor, desolación amorosa o como lo queramos llamar; realmente es un álbum de tristezas pero muy bien contadas, a mí me logró llegar, sentí cada letra, no porque me sienta triste ahora o algo así, sino porque Lázaro logra transmitir mucho, incluso con las más 'sencillas' y casuales canciones del álbum como 'Cuando te hagan mierda', 'Lo peor de mí' , el divertido cover 'Un niño llamado Sue' o incluso con el juego de palabras 'Johnny Cash'.

De resto, en 'Canciones del ancla' es un compendio de canciones muy bien escritas, que tiene frases casi poéticas, y aquí podría citar una frase de cada una de las canciones, porque de verdad he sentido que cada canción está, además de muy bien escrita, muy bien interpretada, ya sea acústica, o ya sea con guitarra eléctrica y banda de rock, Lázaro C. Cómala, que en este álbum se refiere mucho al mar, a la vida marítima, logra expresar muy bien los sentimientos de desamor y tristeza.

La influencia por los grandes Dylan, Cash y demás se nota, pues Cómala, es un cantautor también, alguien que es capaz de componer letras que van más allá de lo musical y que llegan lo poético.

A mí me cuesta escuchar las liricas, pues siempre presto toda o casi toda mi atención en lo instrumental, ya es costumbre, pero con esfuerzo (algo que recientemente hago en cada álbum, canción, artista, etc. que escucho) y concentración logro comprender y escuchar con atención las liricas en la música.

Encontrar esto y a toda esta tanda de artistas mexicanos, ha sido encontrar de nuevo la importancia de lo que es tener buenas liricas en las música, además de que es una expresión que demuestra sensibilidad, algo muy admirable y bello, permite que las personas, los oyentes logremos identificarnos, sentirnos acompañados, sentir que alguien más no entiende, nos habla, incluso nos escuche y hasta nos aconseja o al menos nos dice algo importante.

Sentimientos necesarios en la música como en la vida misma.

Favoritas/Recomendadas:

1 - Adiós, que abras más ventanas

2 - Cuando te hagan mierda

3 - Detén tus caballos

5 - La ironía de soltar para amarrar el corazón

10 - Quemar las flores

12 - Mira si no es un buen día para naufragar

14 - Un niño llamado Sue

15 - Silo y pararrayos

16 - Rumbita de mi naufragio

SPOTIFY / DEEZER

Siempre me emociona encontrar las posibles y al parecer infinitas exploraciones que caben dentro del Hip Hop / Rap. Cosas que no sé o a veces no veo tan posible con otros géneros; ya lo he dicho y lo reitero el Rap, el Hip Hop y ahora el Trap son géneros o estilos musicales totalmente versátiles.

El Piso 8, que desde que los conocí me asombraron con la calidad musical en cada trabajo de los artistas que hacen parte de este interesante colectivo y sello, principalmente los trabajos de Veztalone, Frank Lucas y DDA. Todo este colectivo de beatmakers, productores audiovisuales, músicos y sobre todo raperos ha demostrado no sólo un interés por el Rap/Hip Hop, sino también ha demostrado un interés por quitar muros, etiquetas, estigmas y llevar más allá el género, explorando en distintas formas de hacer música, pero logrando mantener una línea clara o 'real' frente al pilar básico de todo su proyecto, el rap.

El Trap, que lleva más tiempo del que creemos, se ha posicionado de una forma increíble estos últimos 3 años; y yo, hace rato quería expresar ciertos pensamientos que tengo al respecto de esta 'reciente' tendencia musical.

Lo primero que he pensado hace un tiempo es algo referido a lo irónico que sucedió con algunos 'raperos' puristas o simplemente 'haters' de esta tendencia: resultó que los más odiados por muchos raperos, los reguetoneros termiando siendo quiernes han posicionado e incluso han hecho excelentes producciones de esto que conocemos como Trap.

Lo otro que estuve pensando al respecto fue un par de preguntas ¿Cuál es la necesidad de odiar o despreciar el Trap? ¿Por qué no más bien aprovechar esta tendencia y hacer algo más interesante con ello? Demostrando que el Trap como subgénero del Rap (o no) puede lograr ser más interesante incluso que lo que suena popular y comercialmente hoy en día. (Aún hay mucho más que decir sobre el Trap, pero por ahora hasta ahí).

Hay beats muy buenos, interesantes y que se pueden aprovechar mucho de esta nueva o reciente tendencia. Incluso algunos beats que han hecho los más comerciales y populares dentro de esta nueva tendencia. Aquí lo confesaré los beats de 'Si tu novio te deja sola' de J Balvin& Bad Bunny y 'Sensualidad'de Bad Bunny, Prince Royce & J. Balvin me parecen buenísimos, con oído critico o no, para mí, son beats que incluso se pueden aprovechar mucho más.

Los artistas del Piso 8, como ya dije, siempre ávidos por explorar y realizar interesantes cosas con alrededor del Rap, no se quedaron atrás, de hecho para ellos no es algo muy nuevo.

DDA, artista que se mueve por varios sellos como el yojodojo y Piso 8; hace 4 años produjo, creó 'Amin' un track que suena perfectamente moderno, fresco y cercano al Trap.

Por eso 'ULTRA' un experimento que me tiene boquiabierto, no lo encuentro forzado sino más bien natural sobre todo para estos dos raperos y artistas que en varias de sus canciones anteriores han diversificado, explorado y jugado con beats poco convencionales o tradicionales.

Con la explotación del Trap y por otro lado el auge del 'Lo Fi' en el Rap; estos dos raperos y exploradores del sonido, logran encontrar la convergencia entre estas dos tendencias; y para mí, con lo poco que sé (disculparán) pero con el aprecio sonoro que tengo, han hecho algo más que un experimento; han logrado una creación interesante y de gran calidad.

No sé mucho de métricas, o propiedades técnicas del género, (nuevamente disculparán) pero para mí esto suena muy bien hecho; tiene lo propio del trap moderno, esos hi hat y bombos principales pero con otros toques (que supongo que son la parte Lo Fi) que le da un aire denso de un sonido pesado, incluso ralentizado, con fondos musicales que inspiran lo matemático místico, mágico y espiritual; en el fondo de casi todos los tracks de ULTRA se escuchan una especie de sonido ambiental que genera esto, esa imagen de lo sideral y espiritual. Aunque esa intención es fácil captarla no sólo con el sonido sino también con la lírica como bien lo logran en ‘Kempo’ y ‘Ultra’; por un lado 'Kempo' que en terminos textuales es un arte marcial de la China; Tayko, expresa y menciona referencias a la cultura y espiritismo asiático, específicamente (por el nombre de esta canción) de la China. Pues si bien sabemos, la cultura china tradicional está rodeada por mucho espiritismo, religión y temas relacionados al alma y al 'yo interior'.

Y 'Ultra' que resulta siendo una expresión de lo que es el ser, la búsqueda de la gloria y la limitación del pensamiento o del mismo ser.

La conexión entre los raps, el flow y cada beat es impecable, de hecho, la parte vocal es la parte fuerte y emocionante de este EP. Veztalone y Tayko botan frases, líneas y rimas buenísimas, astutas e inteligentes; que además, de algún modo en casi todas estas canciones logran cuadrar con el ambiente sonoro y conceptual de ULTRA.

Siento que me quedo corto frente a todo lo que es posible hablar de este trabajo (¡y eso que es un EP!) pero el resto queda en cada uno, en descifrar y escuchar con atención esos mensajes algo misteriosos y místicos de Vez y Tay, además de dejarse llevar por ese sonido casi espacial y elevado.

Es más que trap, y más que Lo Fi, es rap ambient ya, si se puede decir.

Favoritas / Recomendadas:

2 - Kempo

3 - Ultra
4 - Ready to die

https://www.youtube.com/playlist?list=PLnk02FOVO_JuP7UQp0V0nY0lK8lBq774w

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