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Oyente Desconocido

No hemos hecho ni la mitad de lo que la música ha hecho por nosotros. ¡Bienvenidos a nuestros oídos!

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    Hace un buen tiempo quería hablar de él.

    La primera vez que escuché a Shaman Herrera fue extraño.
    Dentro de un momento de voces suaves, comunes, con la voz de Shaman fue encontrar una voz grave, pesada, fuerte, enorme y diferente a lo que venía escuchando, era más o menos el año 2015, y para mí, en ese año y en épocas cercanas no había escuchado algo igual ni siquiera parecido.
    Lo conocí con 'Sueño Real' y mi escucha inmediata lo sacó de toda la 'escena' o momento 'indie' que se vino gestando por esa época; sin embargo me encontré que este álbum cuenta con participaciones de artistas y otros músicos que representan mejor los sonidos más populares y comunes o mejor dicho lo 'indie'.
    La voz y el sonido de Shaman, para mí no.
    Aunque es un artista que se encuentra por algunos de sus más recientes álbumes dentro del sonido moderno, actual, independiente y alternativo; su sonido, su voz, sus ideas, su concepto lo aleja así mismo de todo ello. Está y no está en lo actual.
    Lleva más de diez años haciendo música, ni Spotify ni la información en Wikipedia muestran con exactitud todo su trabajo discográfico completo.
    No lo conozco como quisiera, es decir, me encantaría conocerlo más de cerca, charlar con él, preguntarle muchas cosas. Sin embargo, a partir de su música y de lo que he encontrado allí, y de acontecimientos que además de expresarlos en su música, me he enterado por otro medios, he aprendido y he visto de algún modo quien es el gran Shaman Herrera.

    La primera impresión que tuve al escucharlo, además de que fuera una voz extraña o más bien diferente en la música moderna alternativa e independiente latinoamericana, fue sentir que Shaman es alguien grande, su voz parece de un gigante, de un ser salido de cuentos míticos. Su voz es teatral y dramática, sus canciones por ello logran ser obras, puestas en escena que pueden imaginarse en la mente, con un Shaman Herrera cantando en el medio de un escenario y las imágenes de lo que expresa y trata alrededor de él. En todo lo que he escuchado de este hombre, así, lo imagino en cada canción.
    Shaman es más que esa enorme voz, es un hombre, es un personaje que está íntimamente relacionado con los temas esotéricos, espirituales, mágicos, religiosos y demás.

    Desde su proyecto con Los Hombres en Llamas, uno de sus primeros grupos, sus letras, sus conceptos son de un viajero de la tierra pero también de un viajero astral, mental y espiritual. Donde el amor, la vida, la muerte, los viajes, el destino, son temas que se mezclan y se combinan con otros, como la espiritualidad, el espacio sideral, la magia, la paz, la fe y más.
    Una buena definición que se me acaba de ocurrir para hablar de la música de este gran artista 'música de viaje' o que sus canciones son 'canciones de un viajero'.
    No sé qué tanto ha viajado, conocido o visitado Shaman en su vida, pero parece (así no sea así) que ha recorrido mucho, sus canciones son notablemente inspiradas por viajes, por recorridos largos de un hombres que camina y divaga por el mundo con una guitarra al hombro.
    Eso es lo que se puede deducir breve y fácilmente de los primeros trabajos junto a 'Los Hombres en Llamas'. Ahora, creo que lo más amplio, abstracto y denso de Shaman lo encontramos con todo su trabajo junto a 'Los Pilares de La Creación' nombre que parte de una foto tomada por el telescopio espacial Hubble, a la cual le dieron este nombre.
    Su primer álbum con este proyecto es la muestra breve o más sencilla de sus nuevos conceptos, su conexión con lo astral. Una muestra que el viajero sigue su camino pero ahora va más allá, expande sus horizontes y llega afuera de este planeta, hace conexiones con lo no terrenal, más allá de este mundo llega Shaman Herrera.

    Con el álbum que lo conocí, 'Sueño real' el tercero con Los Pilares de la Creación (si contamos 'Quimera', que es una banda sonora) expresó algo más abstracto, desde la portada y en cada una de sus canciones. Pero a su vez demostró que su música también se encuentra en un ámbito (musicalmente hablando), más común y popular, pues este cuenta con varias participaciones de las que se destacan la de Sara Hebe y Santiago Motorizado (El Mató a un Policía Motorizado).
    Pasaron un poco más de dos años, para que Shaman Herrera, luego de este 'Sueño Real' apareciera con nueva música.
    El nacimiento de su hija, su retiro temporal, su 'exilio', la continuación de su viaje, un viaje más personal y quien sabe cuántos más acontecimientos lo marcaron para su nueva y más reciente obra 'El primero es el último'



    ***
    "Decir que el primero es el último es decir que no existen ni el uno ni el otro. No hay un antes y un después si el después viene antes que el antes. Se suprime la inercia, la sucesión, y se transforma en un infinito estable y sin ego. El tiempo es solo lo que las palabras dicen de él." Shaman Herrera.

    Si fuera el primer trabajo que escuchara de Shaman, bien podría pensar que es un artista religioso que se dirige sólo a las personas interesadas en estos temas y conceptos. Sin embargo, en caso que sea la primera vez que vayan a escuchar a Shaman Herrera, hay que tener en cuenta sea como sea sus trabajos anteriores. Conociéndolos un poco es notable más que una evolución, algo así como un renacimiento, un resurgimiento de ideas y conceptos.

    Es notable ver con lo que Shaman se ha encontrado en estos últimos años durante la creación de esta obra además de encontrarse (quizá, porque no sé cuánto lleva en ello) con conceptos del budismo. También puedo percibir que los acontecimientos que rodearon este nuevo álbum lo marcaron de manera trascendental e influyente a la hora de componer estas nuevas canciones.

    Hace varios años un álbum no me conmovía así, no sé si haya sido que en este álbum vuelve a sonar tan natural y orgánico, además aquí siento su voz mucho más dramática, más sentida, más expresiva; o quizá también es todo el sonido con que acompaña cada canción, pues ha incluido tubas y pianos, algo que no se había hecho presente con Los Pilares; en este álbum toda la sonoridad genera un ambiente dramático, denso, envolvente, teatral y cinematográfico, muy profundo. Y aún hay más, este álbum habla de renacimiento, de un encuentro con uno mismo, con el espíritu también habla de la nada y del todo, del infinito, de la muerte y de la vida, a veces en términos budistas, a veces entre frases abstractas, pero logra sentirse y entenderse.

    'El año del gallo', que precisamente fue el 2017, también es el nombre de la canción con la que abre este álbum. Significa que es el año del nuevo amanecer y comenzar, queda precisa para el retorno de este personaje (Shaman).
    He tenido que buscar algunos conceptos y palabras de las que se refiere Herrera en este nuevo álbum, como 'Avatar' en el sentido budista o hinduista, 'La luz dorada', 'Govinda' entre otros. Y veo que habla de cosas muy bellas, que aunque no pertenezcamos al budismo o algo parecido, logró generarme un interés y una curiosidad por ello. De este modo, entendí lo importante que puede ser el budismo y las ideas cercanas para Shaman, pues lo que trae de esta religión y filosofía en este álbum, habla de renacimiento, curación, representación de dios, nacimiento, comienzos. Ideas muy conmovedoras para cualquier persona.
    Ahí es donde se nota su encuentro con esta religión/filosofía. Pero Shaman no deja que estas ideas y lo que expresa sea para únicamente para quieren practican, profesan o pertenecen al budismo, sino, siento yo, es álbum para él mismo expresarse, para contar lo que significó su retiro, su encuentro con esta religión/filosofía, con la naturaleza, con la meditación, con el nacimiento de su hija (Govinda), y más.

     Y eso fue lo que me conmovió, no es un álbum para sus oyentes, es decir, no es un álbum con el que fácilmente uno se sentirá identificado con las canciones, pero si es un álbum lleno de reflexiones, de pensamientos personales, como un cuaderno de notas de un viajero, de un sabio; que si bien no se aplica inmediatamente en nuestras vidas, algo logra hacer sentir, al menos pensar en la vida y en el espíritu.
    Shaman Herrera parece haberse encontrado consigo mismo a través de 'El primero es el último'. 


    Favoritas/Recomendadas:
    1- El año del Gallo
    3 - Agosto
    5 - Luz Dorada
    7 - Palabras
    9 - Govinda





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    JUSTO Y NECESARIO. 


    Molotov es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, quizá eso se debe a que prácticamente crecí escuchándolos. 
    Y sí, Molotov pertenece esa época en la que el Rock en Latinoamérica tuvo gran importancia y aquí todos creían en él.
     Molotov es una de esas bandas representantes de lo que es o fue el "Rock en español". 

    ***

    Los Unplugged o desconectados siempre han llamado mi atención, son un espacio muy interesante, que de algún modo reta y desafía a las bandas y a los artistas en cuestión. Estos 'especiales' son una exigencia a los artistas para mostrar una faceta distinta y nueva en su música. Como bien recordamos el unplugged de Nirvana, el cual bajó la agresividad y furia de Kurt y compañía y mostró su sonido y ambiente más depresivo y delicado. Desde ese aspecto, sorprendió y llegó al corazón de muchos. Pues es uno de los unplugged más conocidos y recordados.

    Ahora, como un 'seguidor' de los unplugged, recuerdo especialmente algunos que vi el día su lanzamiento y otros que por obvias razones cronológicas conocí más adelante. En primer lugar, y porque lo vi por televisión el día de su estreno, recuerdo mucho el de Korn, sus canciones, estos hits como 'Freak on a leash’, 'Falling away from me', 'Got the life' y demás, sonaban completamente distintos, fueron reversiones increíbles y sorprendentes. 

    Otro unplugged que recuerdo muy bien, es el de Los Tigres del Norte, más que por el cambio en su sonoridad (que no fue mucho), por las participaciones de Calamaro, Residente, Juanes y Zack de la Rocha. 

    (¿Cual(es) es (son) tu(s) Unplugged favorito(s))




    *** 

    Aunque Molotov haya “pasado de moda" como mencioné al principio, o ya no sean una de las bandas más importantes del momento o ya no sean parte del 'mainstream'; es una de las inolvidables, "clásicas" y grandes del "Rock en Español". 
    Así como Illya Kuryaki & The Valderramas, Café Tacvba, Soda Estéreo, Los Tres, Shakira, entre otros tuvieron e hicieron su desconectado, (algunos de manera muy anticipada), que Molotov lo hiciera era más que justo y necesario. 
    Justo por los más de 20 años que llevan haciendo música (buena o mala), necesario, por el hecho de ser una de las bandas "más pesadas" (dentro del Rock Latino obviamente); ese cambio, de los dos bajos y la guitarra eléctrica, a lo acústico (incluyendo otros instrumentos) tenía que pasar tarde o temprano. 

    Y me gustó. 

    Quizá esperaba algo más 'arriesgado' y sorprendente en El Desconecte de Molotov; pero hay que admitir que con este 'Rock' de Molotov tampoco podrían hacer algo muy cambiante o increíble para esta ocasión; el hecho de que lo eléctrico y duro pase a lo acústico ya por si sólo resulta llamativo. Aun así, El Desconecte logra presentar algunos detalles particulares, llamativos y muy agradables. 

    No hay que ser muy detallista para notar que los Unplugged dan la oportunidad de que los grupos, bandas, artistas musicales hagan cosas especiales, distintas y hasta nuevas allí; como bien Korn lo hizo con el uso de instrumentos no convencionales; participaciones especiales como bien lo lograron Los Tigres del Norte; las versiones completamente distintas como bien lo hizo PXNDX; covers y cancines ineditas como lo hizo Nirvana, e incluso Molotov interpreta una nueva canción en su desconecte. 

    De 'El desconecte' 'Gimme tha power' el clásico de clásicos, el hit por excelencia de Molotov, fue una de las canciones que más me sorprendió y agrado en esta versión. Disimuladamente tiene un cambio de ritmo, más campirano más tejano, y la reinterpretación de la marimba que tiene la original hecha por un Litofono el instrumento de piedras que se puede apreciar en el vídeo. Más un contrabajo que retumba y la nueva velocidad que le dieron a este 'clásico', me encantó. 
    Otra canción que me emocionó escuchar este especial de Molotov, fue 'Matate Teté', pues a mi parecer esta es una de las más pesadas y fuertes canciones de ellos en toda su discografía. Además esta canción tiene un corte, que en la original tiene un sonido carnavalero con muchos tambores, para esta ocasión lo reemplazaron con una gaita bajando la velocidad de la canción; eso me encantó. 

    No estoy seguro si el hecho (y es un detalle más que tienen los unplugged) de que lo que interpretan las bandas allí, sus hits, sus clásicos, sus grandes canciones en una nueva versión o no, sea lo que nos emociona. Pues en algunos desconectados, no hay mayores o increíbles re interpretaciones de estas canciones. 
    ‘Frijolero’ no dista mucho de la versión original, a excepción de la inclusión de la tuba, lo cual le da un aspecto más 'bailable' acercándose a la popular música de banda mexicana. Lo mismo sucede con ‘Voto Latino’ y ‘Puto’, no existe un  cambio más que el obligado para un desconecte, lo acústico y el acompañamiento secundario de otros instrumentos como teclados, congas, tambores, acordeón, entre otros. 

    Lo que vi de El desconecte, me evocó un poco al unplugged de Korn en cuanto al escenario y el uso (o intento de usar) instrumentos no convencionales.
    Molotov deja intacta la esencia de sus clásicas canciones, con el uso de la gaita, tambores japoneses, teclados y más; y en este caso eso fue lo que más me agradó, por más que yo deseara algo más "experimental" y extraño. 

    Quizá la emoción por este unplugged se dio porque es una de mis bandas favoritas, pues como ya mencioné no hay ‘experimentos’ ni muchos sonidos o ritmos arriesgados o distantes de las versiones originales en estos clásicos de Molotov; sin embargo, también cada unplugged (sobre todo de bandas pesadas) es interesante escucharlo pues siempre son desafiantes. Molotov hizo lo que pudo, intenta usar nuevos instrumentos, y aunque en algunos cortes sentí que los desaprovechó, El desconecte tiene otros momentos emocionantes y sorprendentes.

    El Desconecte tenía que suceder, tarde o temprano, más que justo y necesario para los inolvidables Molotov. 

    Favoritas/Recomendas:

    1 - Here we kum
    3 - Gimme tha power
    7 - Parasito
    10 - Matate teté
    11- Frijolero
    12 - Voto Latino




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     Un álbum con todo nombre. 

    Hace unos días una amiga me comentaba que recientemente ella encontraba en el rap/ hip hop mejores liricas, mejores frases, mejores historias mejor contadas que en otros géneros recientes. 
    Le hallo y le doy la razón, el rap en español, o al menos en el rap latino, definitivamente recientemente he encontrado también que sus liricas ahora son más personales, y sino, al menos está lleno de frases, líneas y demás uso de palabras, muy creativas, por ejemplo lo que hace Matiah Chinaski, Veztalone, Crudo Means Raw y demás... 



    El rock, o al menos el rock que ha surgido en los 2, 3 últimos años, proveniente sobre todo de Argentina, Chile, Ecuador y Colombia, se ha vuelto un poco 'soso'; me refiero a eso que llamamos 'indie' y hay que aceptar en "Ah, todo lo que hago es para vos, Ah, el tesoro se está hundiendo..." que aun que puede ser una frase pegajosa y hasta bonita, no hay mucho más que eso; una frase pegajosa y bonita.
    Historias, lecciones (como si necesitáramos), liricas que salgan de las vísceras, de experiencias personales, del corazón y que puedan contar algo más que frases sueltas ya no se encuentran tanto. 
    Claro excepciones hay, pero comparando con el rap e incluso otros géneros, el rock en general en Latinoamérica últimamente se ha quedado corto en buenas expresiones liricas. Eso creo yo.

    Yo vengo escuchando a Axel Catalán hace un buen tiempo, no recuerdo exactamente cómo llegué a sus canciones pero graciosamente recuerdo que creí que era español (por su apellido artístico).
    Con él en un primer momento encontré una canción hermosa que tiene una lírica que me caló mucho, estoy hablando de 'Ansiedad' una canción que habla de una despedida, de una manera cruda, bella y muy sentimental; creo que para cualquier persona con algún despecho, tristeza por cualquier tipo de partida, esta canción le va a llegar muy adentro. 



    No sólo fue 'Ansiedad' sino con el resto de canciones también encontré buenas, viscerales, sentimentales y muy emocionantes liricas, para dedicar, para sentir, para escuchar atentamente. 

    Con Axel Catalán y sus liricas, me encontré con algunos otros cantautores que le componen al amor o más bien al desamor de una manera visceral, bella, y muy emocionante; NegrO, y de quién hablaré específicamente hoy, Lázaro Cristóbal Cómala. 

    Lo primero que escuché de este personaje que tiene un nombre muy llamativo; fue 'Cuando te hagan mierda' una canción igualmente sobre desamor, pero divertida al lado de quién me llevó a él, Axel Catalán.
    La voz de Lázaro me gustó, pero más que eso me gustó más fue la lírica, que escuché mejor luego en su demás sencillos 'Adiós, que abras más ventanas' y 'No es cierto que nadie va a Durango' (que me gustó menos). 
    Luego, recientemente lanzó su tercer álbum 'Canciones del Ancla'; el primero que escuchaba de Lázaro.
    El álbum que me quizá vaya a reivindicar la importancia de las líricas así en el Rock. 
    Lo que hace Lázaro Cristóbal Cómala, no es para nada parecido a lo que han mal llamado 'rock indie' o el tipo de rock que recientemente suena (mucho) en Latinoamérica; lo de Cómala, es el puro Rock and Roll, algo más que podemos decir ' rescata' Lázaro; este rock and roll "puro", campirano, blusero, guitarrero, que, como tradicionalmente acostumbraba; nos narra y nos cuenta buenas historias. 

    Y es ahí en lo que me enfoco de este gran álbum de Lázaro Cristóbal Cómala. Aunque primero que todo debo decir que fueron varias características que me llamaron mucho la atención de 'Canciones del Ancla'. En primer lugar, el tipo de rock, esto se había dejado de hacer, este rock más tradicional ha perdido espacio, quizá definitivamente hace años no suena fresco y ya los espacios, los medios y el público perdieron el interés en él, Lázaro lo hace muy bien desde lo que conozco y he escuchado en mi vida. Muy influenciado notablemente por Bob Dylan, sin embargo su sello además de las buenas líricas es el sonido mexicano, ranchero, que se puede sentir más en canciones como 'Detén tus caballos', 'Lo peor de mí', 'Rumbita de mi naufragio'. Hay otro detalle muy interesante, son 20 canciones, sí 20, algo que también rompe las nuevas tendencias en el rock y en general en la música, arriesgado pues, hoy en día todo va con mucho afán, todo parece durar menos, todo parece humo; y así mismo nos acostumbramos, queremos las cosas más resumidas, más breves, más prontas. Pero el disco, a pesar de su duración, entretiene y al menos a mí me mantuvo y no dejé de escucharlo, no se siente lo largo, y dentro de esto, tiene otro detalle interesante, la mitad de las canciones son acústicas con sólo guitarra acústica, voz y si acaso acordeón y trompeta; la otra mitad tiene banda de rock es decir guitarra eléctrica, bajo, batería y la voz de Lázaro. Detalle que da una demostración de la buena dualidad y versatilidad de Lázaro. 
    Incluso logra un interesante 'experimento'. En 'La ironía de soltar para amarrar el corazón' canción que me parece las más sentida, emocional de todas, y donde se escucha mejor la voz de Lázaro, se juntó con una banda de Ambient/Post Rock, Blazing Scapelands; logrando una muy sentimental canción de rock acompañada de xilófono, piano, guitarras y la emocionante voz de Cristóbal Cómala. Personalmente me encantó. 

    Ahora, el gran detalle, lo que más me enamoró y agradezco de este buen 'Canciones del Ancla', las líricas.
    Habla completamente de despecho, de desamor, desolación amorosa o como lo queramos llamar; realmente es un álbum de tristezas pero muy bien contadas, a mí me logró llegar, sentí cada letra, no porque me sienta triste ahora o algo así, sino porque Lázaro logra transmitir mucho, incluso con las más 'sencillas' y casuales canciones del álbum como 'Cuando te hagan mierda',  'Lo peor de mí' , el divertido cover  'Un niño llamado Sue' o incluso con el juego de palabras 'Johnny Cash'. 

    De resto, en 'Canciones del ancla' es un compendio de canciones muy bien escritas, que tiene frases casi poéticas, y aquí podría citar una frase de cada una de las canciones, porque de verdad he sentido que cada canción está, además de muy bien escrita, muy bien interpretada, ya sea acústica, o ya sea con guitarra eléctrica y banda de rock, Lázaro C. Cómala, que en este álbum se refiere mucho al mar, a la vida marítima, logra expresar muy bien los sentimientos de desamor y tristeza.
    La influencia por los grandes Dylan, Cash y demás se nota, pues Cómala, es un cantautor también, alguien que es capaz de componer letras que van más allá de lo musical y que llegan lo poético. 

    A mí me cuesta escuchar las liricas, pues siempre presto toda o casi toda mi atención en lo instrumental, ya es costumbre, pero con esfuerzo (algo que recientemente hago en cada álbum, canción, artista, etc. que escucho) y concentración logro comprender y escuchar con atención las liricas en la música.
    Encontrar esto y a toda esta tanda de artistas mexicanos, ha sido encontrar de nuevo la importancia de lo que es tener buenas liricas en las música, además de que es una expresión que demuestra sensibilidad, algo muy admirable y bello, permite que las personas, los oyentes logremos identificarnos, sentirnos acompañados, sentir que alguien más no entiende, nos habla, incluso nos escuche y hasta nos aconseja o al menos nos dice algo importante.
    Sentimientos necesarios en la música como en la vida misma. 

    Favoritas/Recomendadas:

    1 - Adiós, que abras más ventanas
    2 - Cuando te hagan mierda
    3 - Detén tus caballos
    5 - La ironía de soltar para amarrar el corazón
    10 - Quemar las flores
    12 - Mira si no es un buen día para naufragar
    14 - Un niño llamado Sue
    15 - Silo y pararrayos
    16 - Rumbita de mi naufragio




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    Siempre me emociona encontrar las posibles y al parecer infinitas exploraciones que caben dentro del Hip Hop / Rap. Cosas que no sé o a veces no veo tan posible con otros géneros; ya lo he dicho y lo reitero el Rap, el Hip Hop y ahora el Trap son géneros o estilos musicales totalmente versátiles. 

    El Piso 8, que desde que los conocí me asombraron con la calidad musical en cada trabajo de los artistas que hacen parte de este interesante colectivo y sello, principalmente los trabajos de Veztalone, Frank Lucas y DDA. Todo este colectivo de beatmakers, productores audiovisuales, músicos y sobre todo raperos ha demostrado no sólo un interés por el Rap/Hip Hop, sino también ha demostrado un interés por quitar muros, etiquetas, estigmas y llevar más allá el género, explorando en distintas formas de hacer música, pero logrando mantener una línea clara o 'real' frente al pilar básico de todo su proyecto, el rap. 

    El Trap, que lleva más tiempo del que creemos, se ha posicionado de una forma increíble estos últimos 3 años; y yo, hace rato quería expresar ciertos pensamientos que tengo al respecto de esta 'reciente' tendencia musical. 
    Lo primero que he pensado hace un tiempo es algo referido a lo irónico que sucedió con algunos 'raperos' puristas o simplemente 'haters' de esta tendencia: resultó que los más odiados por muchos raperos, los reguetoneros termiando siendo quiernes han posicionado e incluso han hecho excelentes producciones de esto que conocemos como Trap. 
    Lo otro que estuve pensando al respecto fue un par de preguntas ¿Cuál es la necesidad de odiar o despreciar el Trap? ¿Por qué no más bien aprovechar esta tendencia y hacer algo más interesante con ello? Demostrando que el Trap como subgénero del Rap (o no) puede lograr ser más interesante incluso que lo que suena popular y comercialmente hoy en día.  (Aún hay mucho más que decir sobre el Trap, pero por ahora hasta ahí).

    Hay beats muy buenos, interesantes y que se pueden aprovechar mucho de esta nueva o reciente tendencia. Incluso algunos beats que han hecho los más comerciales y populares dentro de esta nueva tendencia. Aquí lo confesaré los beats de 'Si tu novio te deja sola' de J Balvin& Bad Bunny y 'Sensualidad'de Bad Bunny, Prince Royce & J. Balvin me parecen buenísimos, con oído critico o no, para mí, son beats que incluso se pueden aprovechar mucho más. 

    Los artistas del Piso 8, como ya dije, siempre ávidos por explorar y realizar interesantes cosas con alrededor del Rap, no se quedaron atrás, de hecho para ellos no es algo muy nuevo. 
    DDA, artista que se mueve por varios sellos como el yojodojo y Piso 8; hace 4 años produjo, creó 'Amin' un track que suena perfectamente moderno, fresco y cercano al Trap. 



    Por eso 'ULTRA' un experimento que me tiene boquiabierto, no lo encuentro forzado sino más bien natural sobre todo para estos dos raperos y artistas que en varias de sus canciones anteriores han diversificado, explorado y jugado con beats poco convencionales o tradicionales. 



    Con la explotación del Trap y por otro lado el auge del 'Lo Fi' en el Rap; estos dos raperos y exploradores del sonido, logran encontrar la convergencia entre estas dos tendencias; y para mí, con lo poco que sé (disculparán) pero con el aprecio sonoro que tengo, han hecho algo más que un experimento; han logrado una creación interesante y de gran calidad. 

    No sé mucho de métricas, o propiedades técnicas del género, (nuevamente disculparán) pero para mí esto suena muy bien hecho; tiene lo propio del trap moderno, esos hi hat y bombos principales pero con otros toques (que supongo que son la parte Lo Fi) que le da un aire denso de un sonido pesado, incluso ralentizado, con fondos musicales que inspiran lo matemático místico, mágico y espiritual; en el fondo de casi todos los tracks de ULTRA se escuchan una especie de sonido ambiental que genera esto, esa imagen de lo sideral y espiritual. Aunque esa intención es fácil captarla no sólo con el sonido sino también con la lírica como bien lo logran en ‘Kempo’ y ‘Ultra’; por un lado 'Kempo' que en terminos textuales es un arte marcial de la China; Tayko, expresa y menciona referencias a la cultura y espiritismo asiático, específicamente (por el nombre de esta canción) de la China. Pues si bien sabemos, la cultura china tradicional está rodeada por mucho espiritismo, religión y temas relacionados al alma y al 'yo interior'. 
    Y 'Ultra' que resulta siendo una expresión de lo que es el ser, la búsqueda de la gloria y la limitación del pensamiento o del mismo ser. 

    La conexión entre los raps, el flow y cada beat es impecable, de hecho, la parte vocal es la parte fuerte y emocionante de este EP. Veztalone y Tayko botan frases, líneas y rimas buenísimas, astutas e inteligentes; que además, de algún modo en casi todas estas canciones logran cuadrar con el ambiente sonoro y conceptual de ULTRA. 

    Siento que me quedo corto frente a todo lo que es posible hablar de este trabajo (¡y eso que es un EP!) pero el resto queda en cada uno, en descifrar y escuchar con atención esos mensajes algo misteriosos y místicos de Vez y Tay, además de dejarse llevar por ese sonido casi espacial y elevado. 

    Es más que trap, y más que Lo Fi, es rap ambient ya, si se puede decir.


    Favoritas / Recomendadas: 
    2 - Kempo 
    3 - Ultra 
    4 - Ready to die 

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLnk02FOVO_JuP7UQp0V0nY0lK8lBq774w

    SPOTIFY / DEEZER 
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    Esto lo habrán dicho ya hasta el cansancio todos los medios musicales; pero es inevitable. El crecimiento profesional de Natalia Lafourcade es más que admirable.
    Lleva más o menos unos diez años de carrera musical, dentro de la cual la hemos escuchado en muchas versiones, pop, pop rock, y ahora ultimo dentro del folk o mejor dicho folclor.

    Natalia se alejó de las tonadas pop y se acercó mucho al folclore y la música tradicional, diría yo desde su álbum homenaje a Agustín Lara el gran cancionero y bolerista mexicano.
    Luego, Lafourcade a mi parecer encontró su mejor versión con el grandioso álbum 'Hasta la raíz’ pues este resultó ser  la mezcla perfecta dentro de toda su carrera, de lo que es el pop y el folclor, además de ser un álbum altamente personal, sentimental y profundo. Sin embargo, a partir de ahí venía la siguiente, última y más hermosa fase musical de Natalia F., el puro folclor latinoamericano.
    Lanza en el 2017 'Musas: Un homenaje al Folclore latinoamericano en mano de Los Macorinos'; el primero de dos compilados tremendos de versiones y re-versiones de muy importantes canciones de lo que este disco denominó el 'folclore latinoamericano' o lo que algunos llaman 'la nueva canción latinoamericana'

    Y es aquí donde Natalia Lafourcade, para mí, se volvió muy importante, sí, más importante de lo que ya era.
    El homenaje a Agustín Lara me parece un disco muy importante pues, sinceramente conocí a esta leyenda a través de las versiones y de la presentación que hizo Natalia del señor Lara; y aceptémoslo, muchos llegamos a este artista (Agustín Lara) a través de 'Amor de mis amores' y en general, gracias a Natalia.




    ‘Hasta la raíz’ es hermoso, sentimental, a cualquier enamorado o despechado le cae de perlas; como dije, Natalia ahí siguió en el pop, pero continuó su acercamiento a ritmos más tradicionales y folclóricos con algunas canciones de este disco.
    Dos años después llegó el primer 'Musas' y por supuesto lo escuché (no alcancé a hablar de él) y aquí fue cuando dije wow, Natalia es importantísima para la música latinoamericana. Nunca negaré toda la importancia que su carrera ha tenido. Pero estoy hablando personalmente, para mí Musas I y II; son otra cosa, son la expresión máxima de lo que significa Latinoamérica para Natalia Lafourcade y viceversa.

    El gran movimiento de 'la nueva canción latinoamericana' que se dio por las casuales desgracias que vivió el continente, en su mayoría y principalmente, las dictaduras en America Latina.
    Este movimiento musical y concidencialmente político, definió mucho para toda la música latinoamericana. Tanto, que incluso se pudo hablar por primera vez de un género, tendencia o  valga la redundancia, un movimiento musical netamente latinoamericano; es decir que se gestó, creció y se desarrolló propiamente dentro de toda américa latina, entre idas y vueltas.
    Este movimiento dejó canciones muy importantes, canciones que han sido y seguirán siendo heredadas ya sean nuevas versiones o las originales que nunca morirán.

    Natalia Lafourcade con Musas, no sólo nos enseña su capacidad y la altura musical que ya tiene para re interpretar muchas de las canciones del 'folclor latinoamericano' o de 'la nueva canción latinoamericana', sino también demuestra cómo estas canciones la influyeron durante toda su carrera e incluso durante toda su vida;  no sólo para exponerlas e interpretarlas,  sino también para crear y producir su nueva imagen y sus propias canciones, que se  mezclan, e incluso parecen otros boleros, otros vals y otras canciones del folclore tradicional, clásico y 'dorado' de América latina.

    Gracias a ella, para mí, el bolero, el vals, la “canción protesta” y demás vuelve a tomar un nuevo aire, pues creo que para muchos a partir de este par de discos de Lafourcade, retomamos, redescubrimos y nos encontramos con esas viejas y gloriosas canciones de grandes leyendas musicales latinoamericanas.
    Lo más admirable aquí, y retomo, es la capacidad tan grande que tiene Natalia Lafourcade (con ayuda de Los Macorinos) de estar al nivel de las canciones que re interpreta y ha compuesto para su último para de álbumes.
    Para mí, -y abro la discusión- Natalia, con este par de discos, que en su mayoría son versiones, y que realizó gracias también a Los Macorinos, me atrevo a decir, es una nueva y gran exponente de lo que titula este par de álbumes, el folclor latinoamericano e incluso de ese antiguo movimiento de 'la nueva canción latinoamericana'; de hecho, a su modo, y aquí soy  más atrevido Lafourcade está a la altura de Mercedes Sosa, Violeta Parra, Chavela Vargas y más; Natalia Lafourcade es la nueva heredera de este movimiento de grandes, 'clásicas' e inolvidables canciones latinoamericanas; y ha sabido demostrarlo.

    ***

    Como con todo en la música, espero que este par de álbumes (del cual yo no sabía y me sorprendió el Musas II) nos permitan ir más allá, es decir que re descubramos (si áun no lo han hecho) las versiones originales de las canciones que expone acá Natalia, que además veamos, leamos y revivamos esas historias alrededor de esa época dorada del Bolero, del Vals, y del gran e importantísimo cancionero folclórico y tradicional de los países latinoamericanos.


    Favoritas/Recomendadas:

    2 - Alma mía
    3 - Hoy mi día uno
    5 - Duerme negrito
    7 - Derecho de nacimiento
    12 - Humanidad




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    Por:
    @SoyMiroslawa 

    Hace dos años ni siquiera había conocido este proyecto, su primer trabajo llegó a mí gracias a este blog, en uno de sus 'Expresos de las 14', a mediados de octubre del 2016. Con un nombre tan particular solo pude llenarme de expectativa ante la banda. 

    En diciembre de ese mismo año la volví a encontrar en una búsqueda esporádica en bandcamp, allí ya pude disfrutar la experiencia de su primer álbum: 'Run Run'. En él, me topé con melodías cargadas de emotividad y letras que nos cuentan lo duro y lo bello de lo cotidiano, elementos que ya hacen parte de lo que representa El Cómodo Silencio de los que Hablan Poco.


    Hoy nos volvemos a reunir, dos años más tarde con esta nueva entrega: Amanda.

    Para este álbum cambiaron varias cosas, como por ejemplo la alineación. Damos la bienvenida a nuestros oídos no solo a un disco nuevo, sino también a una nueva integrante que llega para llenar una banda  que aparentemente no estaba vacía y que, sin embargo, al escucharla ahora, nos damos cuenta que su aporte no sobra, ni convierte en algo ajeno este álbum en comparación con 'Run Run' sino que por el contrario viene más que bien.

    La apertura se da con una melodía muy tranquila que le da una entrada muy fácil al oyente. Las imágenes que emanan cotidianidad generan mucha tranquilidad, familiaridad y fácil identificación del receptor con el emisor. Aun así la descarga emotiva del primer momento está súper cerca del inicio con una frase preciosa "Mas o menos eres el sol" y es en este momento en el que volvemos a reconocer ECSDLQHP como la banda que nos hizo emocionar con su primer disco hace dos años.

    A lo largo de este álbum vemos como otras cosas, más allá de la voz de Bárbara, van cambiando, sintetizadores agregados y algunos elementos electrónicos empiezan a aparecer. 

    Me atrevo a decir que este trabajo está lleno de muchas búsquedas sonoras, como sucede de manera muy notoria en 'Tristefeliz' y 'Tarot', que son dos canciones que siguen un lado de la banda que no conocíamos. Momentos como estos desvían la banda por una rama pequeña de la linea en la que venían, los nuevos elementos le dan un sonido más pop, pero aun así su tendencia marcada por el post-rock y el emo sigue muy presente. Las guitarras y la batería, más que todo, siguen siendo protagonistas de esta gran banda.

    Vivimos en 32 minutos un viaje a través de diferentes paisajes internos, unos mas oscuros que otros, pero todos preciosos. El final de este álbum es a mi parecer circular, nos lleva un poco a la tranquilidad del inicio y apacigua toda la fuerza interna y el juego emocional se da a lo largo de este con el oyente.

    Con mucha alegría por este estreno que esperábamos aquellos que ya veníamos siguiéndoles la pista, los invito a acercarse a esta gran agrupación que hoy nos saluda con este bonito álbum desde Chile y que esperamos pronto podamos tener aquí para corear y emocionarnos con la emotividad que produce tan solo el pleno acto de vivir.
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    ¿Qué música de Guatemala conocemos? 

    Y espero sus respuestas luego de leer esto. 

    Personalmente no conocía nada de Guatemala, musicalmente hablando, muchas veces creo que en este camino que me he trazado de estar al tanto de las músicas nuevas en Latinoamérica, ignoré o pasé por alto este país y sí, también algunos otros.
    Pero, ¿Por qué? ¿Ustedes por qué creen que habrá sido? (espero sus respuestas). Haciendo esto (sea lo que sea ‘esto’), siempre hay un sesgo indirecto sin querer. Desde que sigo las músicas en Latinoamérica, no sólo empecé a seguir las músicas en Latinoamérica, al principio, lógicamente empecé siguiendo medios también, que para mí y para este blog han sido una influencia directa. Sin embargo y cuando digo que hay un ‘sesgo indirecto’ me refiero a que sin querer, empiezo a seguir y hacer prácticamente lo que otros hacen o han hecho, hasta un punto; por ejemplo hasta hace poco o al menos hasta ahora. Y haber seguido varios otros blogs, revistas, medios etc; que tienen un enfoque parecido o igual a este blog, me llevó por un sendero común; claro en este camino también descubrí que Ecuador, Venezuela, Rep. Dominicana, Costa Rica, países de los que conocía poca música, tienen música increíble, pero así mismo, ¿dónde ha quedado la música de Nicaragua, Bolivia, Paraguay, Panamá, Guatemala y entre otros 'ignorados'? 
    En primer lugar, como ya lo dije, la culpa la tienen los medios musicales masivos con un enfoque supuestamente latinoamericano (que también incluyen cosas de España, pero eso será otra discusión), que concentraron todos sus focos en dónde se ha dado más música normal y comercialmente y que luego de algunas interesantes 'explosiones' musicales en países inesperados como en Costa Rica y en Ecuador se quedaron ahí y la curiosidad no les dio para más. 
    Pero también es culpa mía y de nosotros, quienes sólo dejamos la curiosidad en lo que los medios nos dan o nos han dado, quizá aún nos falta más por preguntarnos, pero si esta entrada les interesó, es un gran comienzo, igualmente para mí. Hace unos meses me hice una de las preguntas que tenía que hacer y con la que inicié este texto, ¿qué música conozco de Guatemala? (y de otros países que no solemos escuchar). 

    Bandcamp es una de las plataformas más increibles de música, por supuesto tiene su limites, pero para mí, está por encima de las más grandes y tradicionales como Spotify y Deezer. Al lado de Youtube (aunque aquí se me hace más complicado, pues Youtube no es sólo música), Bandcamp permite hacer búsquedas de lo que se te ocurra, a veces, como dije, se limita, pero si se te ocurre buscar música de algún país especifico, recomiendo empezar por esta plataforma, los resultados son amplios e incluso abrumadores; en todo BandCamp existe muchisíma música, música que poco se mueve, se escucha y se conoce, lista para ser descubierta, prácticamente. Así y ahí emprendí esta curiosidad sobre qué música se está haciendo en Guatemala (y de otros países que no solemos escuchar).

    Entre varias cosas que encontré, lo que más llamó mi atención fue, el trabajo de Casavieja, un proyecto de Metal del cuál hablé acá: https://www.youtube.com/watch?v=gqWi0E12_2E&t=368s
    Y en segundo lugar, el disco y la banda de la cual les hablaré un poco en esta ocasión, Brüjas y su 'Demo de origen'. (Entre otros proyectos). 

    De un género, estilo o tendencia musical que se movió por Europa, también por EEUU, mucho, que tiene un público selecto y bastante exigente, del cual conozco pocas bandas, grupos o artistas grandes o importantes en Latinoamérica (espero su recomendaciones); y para demostrar que no sólo en Guatemala si se hace música, sino también que allí se hace música muy interesante, nace Brüjas, que casualmente, estuvieron en el tremendo compilado de Tierra Negra, 'Cordillera de Fuego III'. (Un compilado recomendadisímo).

    Sin saber mucho del género, o de este estilo musical, destaco el trabajo de la banda guatemalteca, en primer lugar, por lo que he remarcado en este texto, por demostrar que en este país se hacen trabajos con un muy buen nivel musical; en segundo lugar, la claridad que tienen del concepto; en el post-punk, deathock, -al parecer- ya por consenso popular, y por su mismo nombre se maneja una estética oscura, sombría, que toca temas sobre muerte, oscurantismo, terror y demás similares. 
    En lo que he logrado ver de este grupo, tienen claro y muy bien manejado esto, desde la portada de su disco debut, sus apodos o nombres artísticos,  en su imagen en los escenarios y por supuesto hasta en su sonido. 

    Ritmos veloces, dinámicos, movidos y agiles, bajos retumbantes y repetitivos, baterías (o beats) electrónicas rítmicas e igualmente agiles, una voz que parece de un muerto viviente, que simula agotamiento o un decaimiento que logra sonar bien y líricas explicitas, sádicas, esotéricas y oscuras. Todo esto, logra ser un buen debut o un buen demo y un gran comienzo para una banda guatemalteca dentro de este género o tendencia musical; yo agrego, que desafortunadamente el EP resulta siendo repetitivo y monótono, pero parece ser algo común dentro del mismo género, no sólo es cuestión de este 'Demo de Origen'. 

    Sigamos buscando música en Guatemala, Nicaragua, Cuba, Rep. Dominicana, etc. ¡que la curiosidad musical vaya más allá!



    Favoritas/Recomendadas:

    1 - Pistolas
    2 - Ella insiste

    5 - Tumbas



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